ENTRE MANOS

30/abr/2019 - SFO: Pictures and Poetry about San Francisco by Pablo Luque Pinilla & Jose Luis R. Torrego, translated by Korbin Jones (Arizona-Nevada, Tolsun Books, 2019)

Publicada el 30 Ee abril Ee 2019 a las 17:20



Hoy sale a la venta en Estados Unidos (disponible en Amazon) la versión bilingüe de SFO: Sfo: Pictures and Poetry about San Franciscoel libro que publiqué junto al diseñador y fotógrafo José Luis R. Torrego en 2013 (Renacimiento). De la traducción se ha encargado el poeta y traductor Korbin Jones. Lo edita Tolsun Books.


Se trata de un proyecto largamente gestado desde que en septiembre de 2017 Jones, que por entonces colaboraba con The Lawrel Review, me solicitara poemas para traducir. El escritor estadounidense me conoció a través de esta revista, a la que me dirigí solicitándoles un artículo sobre el poeta Kevin Prufer, sobre cuya obra, Nathional Anthem, por entonces yo trabajaba. Korbin, no solo me envió el texto que les pedía, sino que acabó por mandarme, en tiempo récord, una primera versión traducida de SFO

No oculto que siempre deseé publicar esta obra en edición bilingüe por razones obvias, por lo que solo puedo expresar mi enorme gratitud a todos los que de una manera u otra tuvieron que ver con el libro. A José Luis R. Torrego, el autor de la serie de fotografías que da pie a SFO, que, arriesgando el propio devenir de sus instantáneas sobre la ciudad de San Francisco, decidiera unir el destino de estas a mis poemas, solicitándome en primera instancia textos para acompañarlas. Si alguna vez hubo un origen para esta aventura, ese fue, sin duda, José Luis. A la editorial Renacimiento. Sin la implicación de la editorial sevillana, el libro no hubiera podido ser accesible para todos por vez primera. Este esfuerzo europeo se ha visto ahora recompensado en Estados Unidos debido a la labor de Korbin Jones y a la iniciativa de Tolsun Books. Korbin se desveló desde un primer momento como un traductor audaz y generoso con el que he colaborado desde la máxima confianza. El desempeño de Tolsun, por su parte, ha logrado un volumen muy atractivo. Se trata de unos jóvenes editores estadounidenses que trabajan con una independencia y entusiasmo admirables. En el proceso de edición también jugó un papel decisivo desde España Colm Aherm brindando un apoyo profesional impagable. Asimismo, quiero acordarme del escritor salmantino Luis Ingelmo. A él debemos José Luis y yo algunas de las mejores reflexiones que sobre este trabajo se han escrito, y que sirvieron de pórtico a las presentaciones públicas de la versión española de SFO en Madrid y Valladolid. En la primera nos acompañó asimismo Lupe de la Vallina, que además nos hizo las fotos de los autores para el libro y la promoción con gran generosidad. Igualmente de Luis Alemany, que nos brindó el espacio de la edición digital del diario El Mundo llevando a cabo una excelente entrevista; y a los comisarios de PhotoEspaña, Horacio Fernández y Juan Bonilla, que exhibieron el volumen en la BNE en el marco de la exposición temporal «La cámara de hacer poemas» que se prolongó durante todo el verano de 2018. Otros autores e instituciones también se han hecho eco del libro desde hace ya más de cinco años tal y como se recoge en este enlace: pabloluquepinilla.com/sfolibro.htm. No es posible citarlos aquí a todos. Cuentan con mi mayor agradecimiento.






1/oct/2018 - Reseña de "La voz que me despierta" de Beatriz Villacañas ("Ibi Oculus", 2018)

Publicada el 1 Ee octubre Ee 2018 a las 14:40 Comments comentarios (1)

En el último número de Ibi Oculus está colgada mi reseña de "La voz que me despierta" (Ediciones Vitruvio, 2017), el último poemario de Beatriz Villacañas.


Reseñar es un deporte y, a veces, un vicio. Lo siento, no lo pude evitar...


Va aquí abajo íntegra:


La voz que me despierta, Beatriz Villacañas. Vitruvio, 2017.



Pablo Luque Pinilla


La voz que me despierta, el décimo de los poemarios de la autora toledana Beatriz Villacañas, fue presentado públicamente el pasado mes de noviembre en el Centro Riojano de Madrid.


Al igual que ocurre con otras entregas de la poeta, como Jazz, Dublín, El Ángel y la Física o La gravedad y la manzana, por citar algunas de las más conocidas, se trata de una colección de textos que, partiendo de una propuesta concreta, despliega un ramillete connotativo que trasciende la intención argumental de partida. En esta ocasión, el volumen orbita alrededor de la idea de la poesía como llamada, que despierta, enciende y tiraniza ―bendito despotismo el de los versos― a quienes el destino elige como portavoces. Uno de ellos no podía ser otro que el siempre recordado por la autora Juan Antonio Villacañas, padre de la poeta, que de una forma u otra aparece presente en cada nueva entrega de su hija. Si para este escritor de dilatada trayectoria e Hijo Predilecto de la Ciudad de Toledo las palabras se le ponían delante a «hablar y a hacer posturas» («La vanidad de las palabras», A muerto por persona, 1996), y no había voz que se les resistiera ni aun de noche, para nuestra poeta son esas mismas palabras, que se abren camino en el insomnio y despiertan a su progenitor, las que ejercen su influjo sobre ella. De esta manera, como si de los protagonistas de las curaciones de los evangelios sinópticos o del Lázaro resucitado en el de San Juan ―según evocara Bécquer en su Rima VII― se tratara, en el romance que da título al libro el sujeto lírico es invitado a obedecer a una voz que le pide: «¡levántate! ¡anda!» (pág. 25). Un protagonismo de la poesía que abre la puerta a otras composiciones metapoéticas en el conjunto, como «Batallando contra los mismos: profanadores de la palabra», «El espejo del cuento» o «vocación», que sustentan la trama principal del poemario tal y como hemos comentado.


Pero el valor de este volumen no se detiene en este extremo visible del cabo, sino en la inmensa longitud del hilo temático que lo recorre, como también apuntábamos. Así, esta llamada que despierta a la escritora durante el descanso no es solo la de la escritura, sino su cuestión previa; es decir, el factor ignoto que insufla aliento a la misma palabra poética. En este sentido, nos parece advertir que los versos de Villacañas adquieren aquí resonancias proféticas, lo que equivale a aseverar que recuperan perspectivas consustanciales a la mejor poesía de siempre (no en vano, la palabra «vate», que sirve para designar tanto a los poetas como a los visionarios, toma su doble acepción del latín). Se trata, en definitiva, de la decantación de lo sagrado en los poemas para que podamos escuchar la voz del misterio en la escritura: «Hay una eternidad / atada a cada uno de tus pasos, / un bosque amanecido, / mil voces y una voz clamando / en los desiertos / de tu pequeña soledad de cada día» («Caminante», pág. 11). Un hecho que se repite en textos como «Llamada», «Principio de incertidumbre», «Mi hacienda», «Diaria despedida», «Me lo dice la duda», «Pero», «La materia», «Credo», «Aceptación», «Todo», «Esperanza» o «Lo imposible», que cierra el libro, por citar ejemplos significativos. No obstante, no nos encontramos ante un poemario metafísico o esencialista ya que no son pocas las derivas figurativas que proponen algún aspecto de la realidad como punto de partida para una prospección trascendente en el poema. De hecho, esta perspectiva realista se desarrolla de dos maneras a nuestro advertir. De una parte, cantando motivos cotidianos en los que el sujeto poético acusa lo espiritual que los traspasa, ya sean estos las sombras (pág. 12) ―con ecos de las salinianas sombras de La voz a ti debida―, el pan (pág. 18), los glóbulos rojos (pág. 20), la tarde (pág. 22), la Antártida (pág. 23), la torre (pág. 44), la luz (pág. 46), el amado ―siempre el mismo y siempre nuevo ― (pág. 51), las manzanas (pág. 54) o el cerdo (pág. 59) en «Carne y escarnio del cerdo», una de las composiciones más originales del conjunto. De la otra, evocando motivos abiertamente religiosos, como por ejemplo en «Resiliencia», «Canción», «A Santa Teresa» o «El estilo de Dios», por mencionar algunos casos. Finalmente, la onda expansiva de este despliegue alcanza también a una serie de homenajes a personalidades y topónimos, ya sean estos Platón, Manrique, Carlos V, Garcilaso o Miguel Hernández, entre los primeros; o Irlanda, Nueva York, Madrid o Toledo, entre los segundos. Y a la ya habitual tensión de la autora por mezclar poesía y ciencia en sus versos, como ya sucediera en volúmenes pretéritos (pensamos, qué duda cabe, en los citados El Ángel y la física o La gravedad y la manzana, por ejemplo). Así, leemos en «Estado de gracia»: «Materia liberada de ataduras / de tiempos y de formas, / espacio sin contornos ni puntos cardinales, / la imperfección con todo su misterio, / te alivia de tu peso, / te hace manzana ingrávida / y cuerpo transparente que revela / a su ángel más íntimo.» (pág. 21), en referencia a la inclusión de una partícula que genera defectos en una cerámica para potenciar su carácter superconductor, tal y como se explica en el subtítulo del poema a modo de singular entradilla.


Más allá, todo este conglomerado de asuntos, tan vigentes como intemporales, se nos sirve en odres métricos diversos y a menudo clásicos. Se trata, de hecho, de una de las señas de identidad de la escritura de Villacañas, siguiendo en esto el camino desbrozado por su padre, conocido ―y reconocido― por su labor de recuperación de la lira para la poesía de finales del siglo pasado. De esta forma, en el libro hallamos sonetos, décimas, romances, haikus, cuartetos, redondillas, versos blancos anisosilábicos de base impar y, por supuesto, liras, dotando al conjunto de una impronta plural y eufónicamente reconocible.


En definitiva, nos hallamos ante un poemario que actualiza para nosotros una trayectoria infatigable e inspirada haciéndonos partícipes del más hondo compromiso de su autora con su vocación, y de esta con el aliento misterioso y trascendente que la anima. Así, al igual que Víctor Hugo se preguntaba si en su tumba descansaban los restos de un poeta o de un profeta, nosotros comprendemos que en la obra poética de la toledana descansa el poder visionario de una voz que no cesa de pedirnos que despertemos. De recordarnos que el valor de la vigilia ―y, por tanto, de la poesía― está en la escucha atenta y la portavocía del Misterio.



Escucho


Que hable el fantasma de tu voz,
como Hamlet a Hamlet,
que hable en la rosa o en la piedra desnuda,
o en la gota de sal de cualquier lágrima,
o en el nudo del viento.
Que hable
desde la raíz misma del asombro:
que me arranque la duda
(para siempre)
de la palabra y de su eco.

(de La voz que me despierta)


http://www.edicionesencuentro.com/ibioculus/numero-10/merece-la-pena/recomendamos-2/#voz

31/jul/2018- Ibi Oculus 10

Publicada el 31 Ee julio Ee 2018 a las 17:40

Ya se ha publicado el número 10 de la revista digital de poesía Ibi Oculus, con el que concluye un apasionante periplo. En él hemos tenido la ocasión de ofrecer más de doscientas colecciones de poemas, traducciones, artículos, entrevistas, cuentos y otros contenidos valiéndonos para ello del auspicio editorial de Ediciones Encuentro a quien agradecemos la confianza depositada en el proyecto.


Nuestra publicación ha centrado sus esfuerzos en rescatar la poesía del olvido acercándose al género con la conciencia de su relevancia cultural. Insistiendo en su valor como uno de los elementos de la actividad artística más hondamente enraizado en la necesidad expresiva humana. Asimismo, ha querido hacer hincapié en la poesía como canto inspirado, fundamentalmente, en aquello que provoca y enardece la experiencia. Esto nos ha llevado, como intención consiguiente, a indagar aquellos factores de la realidad que la dotan de mayor persuasión y procuran, por tanto, una palabra poética más intensa, honda y atractiva.


En lo concreto de esta décima entrega, hemos incluido en la sección de poesía española e hispanoamericana una antología de los colaboradores más asiduos de Ibi Oculus. Entre ellos nos encontramos Beatriz Russo, Miguel Angel Cervantes Almodóvar, Miguel Ferrando, Milagrosa Romero Samper y un servidor.


En “Poético mundo”, Milagrosa Romero Samper nos propone, con su propia traducción, una selección de poemas del libro Té taoísta, de Boris Konstriktor, una obra de los años setenta titulada originalmente Plata Palustre, correspondiente a la etapa en la que autor se movía en los ambientes literarios no oficiales. Como habitualmente, las composiciones se acompañan de un breve texto introductorio.


La sección “El banquete” se nutre esta vez de la pintura de Alberto Guerrero Gil, cuya estética de la superposición está alumbrando una de las obras artísticas verdaderamente sugerentes de los últimos años. Aprovechamos también la ocasión para repasar su trayectoria.


Antonio Daganzo nos habla en “Plaza pública” de "Poesía de Oídas", la iniciativa que junto a Carolina Barreira lleva a cabo desde 2009. Un atractivo formato creado con la idea de formar audiencias para la literatura desde la valoración del verso como una experiencia sensorial capaz de aunar estrategias variadas de comunicación.


En “Merece la pena” recogemos reseñas de Beatriz Russo y otras propias, para hacernos eco de obras relevantes del género en los últimos tiempos. Así, libros como La voz que me despierta de Beatriz Villacañas, Bestias de un hotel de paso de Jorge Boccanera o "Comiendo una granada" de Esther Muntañola, encuentran espacio en la sección.


“Ibi fabula” e “Ibi infantil” vuelven de la mano de Blanca Alvarez de e Iñaki R. Díaz que nos ofrecen textos y contenidos propios y ajenos. Entre ellos, el prestigioso Premio Internacional de Relatos Prada, concedido a nuestro colaborador Miguel Ferrando por su cuento El pozo de San Hipólito.


“Limes”, destinada a explorar la relación de la poesía con otros géneros literarios y otras disciplinas humanísticas y artísticas, recoge el vídeo poesía de Inés Restán Sanchis, cuyas creaciones también ilustran algunas de las secciones del número aportándole una atmósfera singular.


Por último, esta décima entrega cuenta con las inestimables fotografías de Miguel Ángel Blázquez, que, junto a los vídeos de Inés Restán Sanchis, ilustran entradillas y contenidos del número.


Más allá, como decíamos, con este ejemplar cerramos un ciclo. El que va de la quinta a la décima entrega, que solo el tiempo nos dirá si es la última o la antesala de otro inicio. Por esta razón, como se explica en el editorial, esperamos que este apagón pueda suponer algún punto de partida para todos aquellos que se han acercado a la revista, ya sea como organizadores, como autores invitados o como lectores.


Espero que disfrutéis del número. De todo corazón, muchas gracias.


VER NÚMERO 10 DE IBIOCULUS


6/jun/2018 - "SFO" en "La cámara de hacer poemas" Biblioteca Nacional - Photo España 2018

Publicada el 6 Ee junio Ee 2018 a las 1:05

SFO en “La cámara de hacer poemas”
5 de junio a 23 de septiembre de 2018




“La cámara de hacer poemas” es una exposición de la Biblioteca Nacional de España que desde el pasado 5 de junio y hasta el próximo 23 de septiembre incluye una selección de libros de poesía ilustrados fotográficamente y a la inversa. Como se recoge en uno de los cartelones de su infografía, muestra “cómo han ido uniéndose versos y fotos y aliándose poetas y fotógrafos a lo largo del siglo XX hasta la actualidad”.


En la sección de libros de autores actuales han incluido, junto a volúmenes de poetas como Amalia Bautista, Jenaro Talens, Juan Bonilla o Luis Alberto de Cuenca y fotógrafos como Javier Campano, José del Río Mons, Maireia Sentís o María Alcantarilla, entre otros, SFO, el libro que en colaboración con José Luis Rodríguez Torrego, a cargo de las fotos, publicamos sobre la ciudad de San Francisco en 2013 en la Editorial Renacimiento S.A.


En el citado panel además, se explica: “Desde «iQuién supiera escribir!»... (Madrid 1905), la magistral traducción a fotografía de un poema de Ramón de Campoamor realizada por Antonio Cánovas, hasta ayer mismo, la exposición ofrece una selección de libros que son a la vez libros de poemas y, a su manera cada uno, también fotolibros, con gran presencia de obras poco conocidas y apenas atendidas y parada inevitable en grandes títulos tanto de la poesía como del fotolibro.


LA CÁMARA DE HACER POEMAS pone de manifiesto que, en efecto, el ojo-cámara del que hablaba Baudelaire sigue cazando imágenes, del mismo modo que la cámara del fotógrafo sigue cazando versos, y que la alianza entre ellos sigue siendo una puerta abierta a las posibilidades tanto del libro de poemas como del fotolibro.”


Los comisarios de la muestra son Horacio Fernández y Juan Bonilla a quienes no tengo el placer de conocer, pero a los que agradezco la atención prestada al libro.


http://www.bne.es/es/AreaPrensa/noticias2018/0605-Camara-hacer-poemas-libro-fotografia.html
http://www.phe.es/exposicion/la-camara-poemas/


 


20/nov/2017 - Reseña de "Casa útero" (Calambur, 2016) de Bárbara Butragueño en "Nueva Revista"

Publicada el 20 Ee noviembre Ee 2017 a las 14:05

Útero o intemperie. Los nuevos versos de Bárbara Butragueño

por PABLO LUQUE PINILLA




ABSTRACT

Una reseña en profundidad de un poemario que la merece: Casa útero (Calambur, Barcelona, 2016), lo nuevo de Bárbara Butragueño


ARTÍCULO

Este poemario de Bárbara Butragueño (Madrid, 1985) se dio a conocer públicamente el pasado mes de febrero y contó con otras presentaciones todavía en plena primavera. Se trata de su quinta colección de poemas ─cuatro libros y una plaquette─, y la segunda que la autora confía a la imprenta. Esto evidencia una doble característica de la escritora: la prolificidad y la paciencia, lo que seguramente se debe a su predisposición natural a engendrar versos a partir de cuanto le ocurre y a la virtud de someterlos a escrutinio con minuciosidad de orfebre.


Al lector mínimamente avisado sobre la poesía española actual, no le habrá pasado desapercibida la obra de esta, todavía joven, poeta madrileña. En ella, destaca su lenguaje personal, imaginativo que, sin hacerse eco de las anunciadas defunciones de la retórica, emplea con provecho la metáfora y la imagen, en un ritmo libre, casi siempre sin puntuación. Una escritura en la que cada verso parece brotar en el centro de alguna conmoción existencial y en la que se advierten no pocas referencias que la autora nunca ha dudado en admitir. De esta manera, en sus composiciones percibimos la resonancia de voces como las de Alejandra Pizarnik o Blanca Varela. Y el aliento de lecturas diversas que bien podrían dibujar un arco con diferentes puntos de paso, que van desde el intimismo de Dickinson, al despliegue trópico de Umbral o el poder visionario de Plath. Y, en la órbita de nuestra literatura más cercana, los de la poesía de Ada Salas, Rosa Castro y David Meza o la de su admirado Juan Antonio Marín, por citar el trabajo de autores que son de recuerdo frecuente en sus comparecencias y entrevistas.


He tenido la oportunidad de seguir la evolución de la madrileña desde hace ya bastante tiempo y siempre me ha parecido que le acompaña un insaciable deseo de tragarse el mundo para devolvérnoslo temblando en los poemas. De entresacar esos secretos que la realidad esconde y que al entrar en contacto con el lector suscitan un sonoro escalofrío. Algo que se hace aún más evidente si se ha tenido la oportunidad de asistir a algunos de sus recitales, como los que ha llevado a cabo durante años para la Red de Arte Joven de la Comunidad de Madrid o el que celebró en la tertulia Esmirna, por citar dos ejemplos que me resultan familiares. En ellos, con frecuencia, su fraseo parece transcurrir con ademanes de trance contenido, revelando, aún más si cabe, la naturaleza vital e inspirada de su desempeño creativo.


No otra es la propuesta en esta Casa útero, que nos ocupa, si bien advertimos en sus textos un ligero encaminarse hacia un territorio expresivo que, sin renunciar a lo emocional/humoral, busca ensancharse por la vía de lo reflexivo y metafísico, potenciándose así el mensaje. O eso nos parece.


El volumen se divide en tres partes: «La culpa», «Las grandes palabras» y «El hogar caliente», en las que se nos habla de la culpa, de la relación del personaje lírico con la palabra poética y de la búsqueda de la identidad, respectivamente. Como colofón final, encontramos una suerte de anexo con trazas de coda, más que de epílogo, «Calor residual», que añade interesantes reflexiones adicionales a la tercera sección.


En «La culpa» la almendra argumental es el sentimiento de culpa y la manera en que este nos afecta, nos despierta o, también, nos abre al mundo. Así, de cuantas identidades conforman nuestro yo, solo se justifica aquella que no nos exime de la culpa. Pero permanecer en ella es una forma de mentira y hace falta «un grado de ardor un estallido» (pág. 18), ya que «solo muriendo / fieramente cada día / y dejando al temblor / calar el hueso / se puede dar a la vida hondura» (ibid.). Este temblor, por tanto, depende de no circunscribirse en exclusividad a la culpa, lo que permitirá que esta se transforme en un reclamo a un vivir más intenso y profundo, que acabe suponiendo una forma de redención ―nunca explicitada en el poemario, por otro lado―. Además, se propone una perspectiva de desgarro existencial donde saberse tan culpable como disponible a la negación de uno mismo, que nos procure alguna forma de pureza. Aun con todo, no hay palabras que lo consigan y asumimos ese fracaso; ese estado natural de anhedonia espiritual caracterizado por la sensación de «no estar nunca del todo / en ningún sitio» (pág. 19). Por eso, experimentamos un yo insatisfecho y aislado, ante el que uno se pregunta «para qué la bondad / para qué la fe / para qué la herida» (pág. 22) si «nadie nunca / nos responde» (pág. 23). De tal manera que, para ser libre, se estima necesario dejar escapar tales aspiraciones y tan elevada consideración de su cumplimiento. Una resignación y frustración en la que, a pesar de todo, no es imposible la esperanza. Por eso, se exhorta a los que consiguen renacer vaciándose de sí mismos a que compartan la verdad, la mirada limpia, la experiencia que nos salve de la propia culpa. No en vano, a ellos se dirige el final de esta parte: «vosotros vosotros enseñadme / enseñadme / a hacer justicia // enseñadme a ser» (pág. 29).


«Las grandes palabras» principia reconociendo que no se desea saber el significado preciso de la palabra «culpa», pues no es percibida con nitidez la delgada frontera de sus términos, y se prefiere «una forma cauta de certeza» (pág. 36). Se reflexiona sobre la oscuridad de la palabra poética y se lamenta cada vez que el verbo no está incendiado, en la misma medida en que se relaciona la escritura acometida con un lenguaje más convencional con una especie de aurea mediocritas literaria a la que se renuncia, porque «Quizá mi pecho no conozca más idioma / que el diluvio» (pág. 41). Pero la oscuridad igualmente puede ser una forma de refugio: «¿acaso no es esta oscuridad / donde crees que reside la belleza / la escafandra perfecta para ocultarte?» (pág. 42). Y se termina por reconocer que se escribe desde el rapto, desde una posesión en la que la palabra poética toma prestada la voz del poeta como si de un profeta/oráculo se tratara: «Sé que hay incendios, sé que por momentos escucho la música nacer de mí como un antílope mojado, pero esa boca no es la mía, ese odio no es mi odio, yo tengo un cuerpo puro» (pág. 43). En definitiva, este debate interno escenifica la lucha, tan de la autora, por la sinceridad poética sin renunciar a la belleza. La búsqueda, en suma, de los grandes significados en moldes de atractivos significantes.


La última de las partes, «El hogar caliente», aclara que salir del útero, de la casa, es exponerse demasiado «en este mundo de lobos donde los otros tan lobos siempre» (pág. 49). Salir o no salir, esa es la cuestión. Ser útero o intemperie. Así, el útero tiene el valor de lo originario y el exterior supone el bagaje de lo vivido, de lo heredado; lo familiar, emocionalmente. Una aventura al aire libre que se vive a la defensiva: «Pensabas que solo lobo los lobos te amarían» (pág. 52), y que implica la negación del propio cuerpo: «donde dijiste mujer dijiste nunca» (ibid.) y «te borraste el sexo» (pág. 53), para refugiarse en una forma de poseer errática que no es la verdadera fuerza anhelada, aunque sea poderosa y se parezca a la fuerza del varón. Hay, por tanto, inseguridad, miedo, estupor. Y el sujeto poético recuerda de niña a una mujer de caderas grandes que «siempre se está marchando» (pág. 56). En última instancia, se acaba por identificar la deseada fuerza, el protagonismo de la conciencia, como un lugar con un centro, «un animal diminuto que ― espera ― al fin ― encontrarse» (pág. 59) a sí mismo. Y por aquí ya vamos entendiendo el título de la obra, la urgencia por regresar al origen, a la esencia, a la matriz, a un útero desde el que sea factible recomenzar. Un lugar que representa ese espacio desde el que es posible emitir un canto como el de este libro-aullido cuando reivindica la autenticidad ante las más hondas e íntimas encrucijadas personales.


Finalmente, el calor residual que emana del apéndice redunda en la incapacidad del yo para reconocerse, para lograr la esperada identidad, pero nos reserva una hermosa sorpresa final con la que se cierra la esfera uterina del volumen. La aspiración de ser afirmado por otros con una exigencia semejante: «Yo quería que alguien me perdonara para poder perdonarme» (pág. 68); «Sé que hay otros que también vagan y buscan. Con la boca llena de algodones. Cuerpos que tienen frío a todas horas. Y también viven el amor propio como un tartamudeo eterno». (pág. 69).


Cuerpos asimismo con un contorno como el de este poemario, que redondea su forma con la plasticidad a la que nos tiene acostumbrados la escritora. Con las aludidas capacidades metafóricas e imaginativas, vertidas en moldes rítmicos de notable aliento, que consiguen un libro con maneras ―y más que maneras, por la persistencia en el tropo― de alegoría. Más allá, insiste la poeta en su voluntad de omitir las comas, excepto en los poemas en prosa que igualmente jalonan la obra. Además, hay un reiterado empleo del guion tipográfico en la prosa que cierra la tercera parte, que nos permite rastrear los razonamientos fragmentados y discontinuos del sujeto poético, como si la autora copiara al natural del pensamiento sin cocer las frases. De hecho, y en términos generales, en este volumen el ritmo de las consideraciones parece ofrecerse a trazos, manifestando la otra faceta creativa de la escritora: la de la ilustración y el dibujo. Porque Butragueño escribe como dibuja ―o a la inversa―, transcribiendo en cada línea lo que le pasa ― y traspasa― partiendo de una referencia original que, decantada en la memoria, traslada al papel ya transformada en una realidad nueva.


Esta realidad, ya se ha dicho, ofrece una versión bastante reflexiva en este texto, lo que no deja de resultarnos llamativo, por cuanto cada vez son más los que dirigen su mirada hacia esa poesía neopopular e intranscendente que prolifera por las redes y se da bacanales en los nuevos y viejos sellos editoriales. En este sentido, nos parece que la poeta es fiel a su pretensión de ofrecer en palabras de meritoria factura sus más hondas inquietudes vitales. Algo por lo que vale la pena reparar en esta propuesta poética en un tiempo en el que nuevos paradigmas antropológicos ―el literario entre ellos― no dejan de suponer una revalorización del viejo e ingenuo culto al valor omnipotente de la razón, y de esta a los pies del bienestar y el progreso, como suele suceder en las épocas determinadas por los grandes avances.


Buscamos el bienestar y progresamos, cómo no, pero no es posible hacerlo con éxito si rehuimos hacer las cuentas con nuestras más hondas hechuras: esa dependencia de la realidad que nos muestra la fragilidad estructural de la condición humana, la pertinencia de los interrogantes últimos y penúltimos, y la necesidad de significados verdaderos. Es por este motivo que esta escritura, y la de tantos otros que transitan los arduos caminos de la autenticidad y la belleza, está llamada a erigirse en testimonio de resistencia en un momento en el que hasta la poesía parece rendida al poder de lo banal y lo efímero.


https://www.nuevarevista.net/revista-lecturas/utero-intemperie-los-nuevos-versos-barbara-butragueno/

20/oct/2016 - Las últimas horas de Évarist Galois en el útimo número de "Troquel"

Publicada el 27 Ee octubre Ee 2016 a las 10:15



El pasado 17 de octubre se presentó en Madrid el quinto número de la revista Troquel. En él aparece mi poema "Las últimas horas de Évarist Galois". En el número anterior de la misma revista había publicado el poema "Caída libre"


El acto fue plural y variopinto. No faltó una amable intervención del alcalde de Boadilla, como parte patrocinadora de la empresa, cuya intervención trascendió lo institucional, aspecto que se agradece; y un carrusel da autores de diferente pelaje, sexo, nacionalidad y lengua, desde el español, al inglés, pasando por el japonés y el lituano. Una fiesta de la poesía casi sin pretenderlo (una de tantas como se repiten semanalmente en el Madrid, donde me muevo), lo que da una idea del buen estado de forma del género.


Los pormenores del acto se resumen en esta crónica de EMGhttp://www.euromundoglobal.com/noticia/398203/cultura/la-revista-troquel-numero-5-presentada-en-la-sociedad-general-de-autores-.html


 



L A S     Ú L T I M A S     H O R A S     D E    É V A R I S T E     G A L O I S*

 

 

Un rostro mojado por la sombra,
la oscuridad ciñéndose en la cinta que el sol dibuja en las colinas,
el temblor del ocaso hinchando su pecho.
Un beso de frío enroscado en la memoria,
recordando la penumbra en Louis-le Grand,
la niebla en el Quartier Latin:
«No queda tiempo».
Iba a morir y lo sabía.

 

Así empezó el crepúsculo,
la noche en la impotencia de su voz,
en el tintero de angustia desbordado en su escritura:
un cordón de cifras sobre el papel,
las investigaciones ignoradas por la arrogancia de Cauchy.
Iba a morir y lo sabía.

 

¿Por qué la violencia del destino,
el encuentro con Dinet
o el hedor de la política devorando la conciencia?
Una puñal cierne el filo sobre su lóbrego pasado,
un voraz desenlace que oscila la cuchilla en su garganta.
¿Por qué te suicidaste Nicholas G. Galois entregando a tu hijo en el abismo,
en la misma ciénaga que despreciaba los teoremas encumbrados por el mundo tras su muerte?
Era su última noche y lo sabía.

 

Una hilera de números hurtados al desvelo,
una fila de grafito registrando hallazgos y ecuaciones;
motivos de vesania para los guardianes del XIX,
para su frágil condición de náufrago del tiempo:
veinte años y dos citas en la madrugada
sin tener experiencia disparando.

 

La mañana del duelo una corneja sobrevolaba el borde del estanque.
Cuando su sombra abandonó la orilla
Galois notó una bala atravesándole el abdomen.

 

No tuvo apenas tiempo de rendirle los ojos.

 

 


*EVARISTE GALOIS (1811-1832) fue un gran matemático francés que murió a los veintiún años. Su fuerte carácter, el suicidio de su padre, el ambiente político asfixiante, dan al traste con una de las mentes mejor dotadas para las matemáticas de la historia de la ciencia francesa. A pesar de su buena formación, nunca pudo adaptarse bien al rígido sistema académico de la época. Trabó amistad con una joven, lo que le llevó a citarse en dos duelos consecutivos, pues dos eran las partes ofendidas. Galois sabía que iba a morir, así que pasó toda la noche escribiendo su testamento matemático. Sus contribuciones fueron revisadas años después por Joseph Liouville. Publicadas en 1846 en una eminente revista matemática francesa, Journal des Mathématiques Pures et Appliquées, influyeron en numerosos trabajos posteriores dandolugar a la llamada Teoría de Grupos y Cuerpos de Galois. El grandísimo matemático alemán Félix Klein afirmó, refiriéndose al malogrado científico: «En Francia apareció hacia 1800 una nueva estrella de inimaginable brillo en el firmamento de las matemáticas... Evariste Galois».




 

10/oct/2016 - Prólogo a "Las guirnaldas de Venus" (Encuentro, 2016) de Manuel Spínola

Publicada el 25 Ee octubre Ee 2016 a las 18:45

Tengo el placer de anunciar la presentación de Las guirnaldas de Venus de Manuel Spínola, que publica la editorial Encuentro. El poemario cuenta con las ilustraciones de Constanza López Schlichting y un prólogo que escribí en noviembre de 2015. 

 


Del prólogo se estracta el siguiente texto en la contraportada:


El eje vertebrador sobre el que orbita esta nueva entrega del poeta madrileño Manuel Spínola es la experiencia del amor, tema que «se desarrolla a través de un sujeto poético travestido, en plena era digital, en una suerte de trovador contemporáneo que enloquece de amor, al más puro estilo de los protagonistas de los poemas cortesanos del cancionero medieval —el consabido aegritudo amoris—, unas veces; otras, en un caballero renacentista que prolonga o contesta al anterior con todos los ropajes del género al modo del dolce stil novo del humanismo, que hace suyo el Renacimiento consiguiente con toda su artillería de reivindicaciones neoplatónicas».


«El autor, desde un decidido neoplatonismo, huye de la propensión a la queja lacrimógena que tanto ha impregnado nuestra poesía áurea, evitando así la autocompasión y el lamento por el amor no correspondido. Es, si acaso, el suyo —lo reiteramos— un amor fiel al ideal de partida, que vive la frustración de manera fructífera, como un argumento, en última instancia, constructivo. Acaso, porque estos versos de Manuel Spínola se dirigen a un rostro amado cuyos rasgos se conjuran ('Conjuro' se titula la cuarta parte volumen) en nuestra memoria lectora como testimonio de todo lo que, amándose, no nos pertenece, pues es don y signo de algo más definitivo». (Del prólogo de Pablo Luque)

 

1/oct/2016 - Presentación de "SFO" en "El crujido de la amapola al sangrar" de Luis Ingelmo

Publicada el 21 Ee octubre Ee 2016 a las 21:05



Es para mí un honor que la valiosa presentación de SFO que Luis Ingelmo hizo en el FNAC de Madrid en octubre de 2013 haya sido recogida, junto a otras prosas de su autor, en el volumen El crujido de la amapola al sangrar (Los Papeles de Brighton, 2016). El texto de la mencionada presentación puede leerse integro AQUÍ.




Como se dice en la nota de prensa que publicó la editorial Los Papeles de Brighton el 15 de sepriembre de 2016 en Palma de Mallorca, con motivo de la aparición del volumen, Luis Ingelmo recoge en El crujido de la amapola al sangrar lo mejor de su producción crítica y teórica entre 2007 y 2015.

 

Lector impenitente y eficacísimo, este castellano que durante años fue profesor en Chicago parece incapaz de renunciar a dejar por escrito las impresiones obtenidas de sus lecturas. Experto conocedor de la literatura norteamericana, pero también de la anglosajona en general, y de la española –y de la hispanoamericana–, con El crujido de la amapola al sangrar aporta un panorama personal pero muy completo y actual de la narrativa y la poesía de los Estados Unidos, además de un buen manojo de agudas reflexiones sobre su recepción en España; la necesaria desmitificación del Bukowski que nos han vendido; lecturas de Burroughs, Whitman, Eliot, Kerouac o Carver; un amplio repaso por las obras de autores imprescindibles y poco conocidos en nuestro país, como Larry Brown o Delmore Schwartz; incursiones en el territorio del guion cinematográfico (Coen, Scorsese, Tarantino); visitas esporádicas a las literaturas hispánicas vía Roberto Arlt, Daniel Chavarría y Fernando Vallejo, o José María Fonollosa y Avelino Hernández, o incluso Pessoa…

 

Por razones evidentes, es también un fruto maduro y ejemplar de la literatura comparada y, a ratos, un pequeño manual de traducción literaria. Tiene mucho que ver con ello el hecho de que Ingelmo sea hoy uno de los mejores traductores españoles, habiendo vertido al idioma de Cervantes a autores como Larry Brown, Martin Carter, Thomas MacGreevy, Wole Soyinka, Natasha Trethewey y Derek Walcott; y al de Shakespeare, en colaboración con el poeta irlandés Michael Smith, a otros como Verónika Volkow, Elsa Cross, Claudio Rodríguez, Aníbal Núñez, Fernando de Herrera o Gustavo Adolfo Bécquer.

 

Y eso se refleja en algunas de las mejores piezas que recoge el volumen. Su trabajo sobre la relación entre la obra de Claudio Rodríguez y la de su traducido T. S. Eliot es clave para entender la figura y la poesía del zamorano; y, en general, sus reflexiones sobre la traducción literaria son obligadas para cualquiera que pretenda dedicarse a esa actividad a medio camino entre la traición y la per-versión. Un par de jugosas entrevistas al autor completan este magnífico volumen.

 

Nacido en Palencia en 1970, Luis Ingelmo es licenciado en Filología Inglesa por la Universidad de Salamanca y en Filosofía por la UNED. Reside desde su juventud en Zamora, aunque vivió durante siete años en Chicago (Estados Unidos), donde fue profesor de español y estudió Pedagogía en la DePaul University. En la actualidad prepara, entre otras, traducciones de Francisco de Quevedo al inglés y de Christopher Marlowe al español. Su bibliografía personal incluye también el libro de relatos La métrica del olvido (Madrid, 2011) y el poemario Aguapié (Los Papeles de Brighton, 2013).


15/sept/2016 - Reseña del "Orestes" de Yannis Ritsos. Traducción de Selma Ancira. Acantilado, 2015

Publicada el 21 Ee octubre Ee 2016 a las 20:00

En el número 9 de Ibi Oculus se ha publicado mi reseña sobre el Orestes de Yannis Ristos en traducción de Selma Ancira y publicado por Acantilado:


Os dejo a continuación la reseña, que puede consultarse directamente AQUÍ:



Orestes de Yannis Ritsos. Traducción de Selma Ancira. Acantilado, 2015.





Una de las características de la cultura griega es la incorporación del mito clásico al trasunto cotidiano. Así, la referencia mítica se incorpora a la vida y a la literatura con naturalidad, formando parte de su imaginario individual y colectivo, sin necesidad de mayor contextualización.

 

Muchos son los autores griegos que reflejan en sus obras esta relación cultural viva y vivida con el mito; este paso de lo referencial al aquí y ahora. Destacan, entre los poetas más importantes de las letras helenas durante el pasado siglo, Yorgos Seferis, que sostiene que esta imbricación es producto de una decantación natural; Odysséas Elýtis, que asume la modernidad y la renovación como signos diferenciadores; y Yannis Ritsos, escritor en el que el presente renueva el mito como continuación, pero, fundamentalmente, como permanencia, para hablarnos de lo antiguo con el lenguaje de hoy, y de los motivos del tiempo presente con una sabiduría antigua. Así, en Ritsos, el mito se ve enriquecido por los recuerdos personales y los problemas sociales de la Grecia de finales del siglo pasado que le tocó vivir.


De esta manera sucede con el Orestes que nos ocupa, englobado en el ciclo poético de los monólogos dramáticos del poeta centrados en personajes de la antigüedad clásica, pero trasladados a la actualidad, muchos de los cuales han sido también publicados en Acantilado. La serie principia con Sonata del claro de luna e incluye obras como La casa muerta y los soliloquios dedicados a Freda o Áyax, por mencionar algunos.


En Orestes, se ubica al personaje mitológico, hijo de Agamenón, rey de Micenas, y de Clitemnestra, así como hermano de Electra, en la noche previa al asesinato de Clitemnestra. El modelo, según el Orestes que más concuerda con el de Ritsos, es el de Eurípides, pues a diferencia del de Sófocles y Esquilo, Eurípides nos presenta unos personajes más humanos, con capacidad para hacer crisis, contradictorios y acuciados por las dudas, que es el núcleo de la sabiduría trágica como expresión de una forma de religiosidad, de una concepción de la realidad, en definitiva. A este dibujo de Orestes, Ritsos le añade una toponimia y unos motivos que revelan la contemporaneidad del autor con el relato poético. Y una versificación ciertamente brillante que fluye en extensión versicular, con plasticidad y con una respiración que demuestran un terreno de comodidad formal para el escritor. No en vano, el poeta fue traductor de Neruda y Nicolás Gillén, por mencionar algunos ejemplos significativos en este sentido, y uno de los poetas más influyentes de la generación griega de 1930, análoga a la generación del 27 en España.


Su libro arranca con Orestes y su fiel amigo Pílades a los pies de la muralla del palacio de los Átridas escuchando los lamentos de su hermana Electra, que clama venganza, mientras Orestes sopesa sus miedos y contradicciones, que vienen a suponer la almendra temática de la obra. Para nuestro Orestes, la contradicción se establece entre el deber impuesto por lo social y el deber ético de escuchar a la propia conciencia. Esto le permite ponderar con positividad la figura de su madre en detrimento de la de su hermana ―ponderación de la madre que es una constante en su obra―, lo que no le abstrae de su deber, si bien detesta la presión social que le exige una reparación meramente instintiva y atávica. Más allá, se pregunta si la fuerza de la libertad personal y la del condicionamiento social están destinadas a convivir en armonía o, por el contrario, estamos creados con esa terrible disyuntiva con la que debemos convivir como un padecimiento crónico.


En suma, el poemario es un canto a la reflexión personal frente al destino en contraposición con la imposición social del horizonte individual, que convierte a Oretes en un ejecutor de los designios previstos, pero a través de su libre elección nacida del conocimiento de la propia identidad. Reflexión que el autor griego transforma, en la línea de otros libros de su factura, en una narración de exuberante frondosidad poética.

 

1/sep/2016 - Ibi Oculus 9

Publicada el 21 Ee octubre Ee 2016 a las 19:20


Ya está publicado el número 9 de Ibi Oculus en el que hemos recogido un voluminoso y cuidado ramillete de colaboraciones. Con él, además, se hace efectiva la incorporación de Leonor Saro como directora adjunta, que asume el día a día de la publicación.


No en vano, en los últimos tiempos comprendí que la revista necesitaba de nuevos brazos que pudieran sumarse al esfuerzo que supone llevar a cabo entregas tan extensas. No fue en ningún momento una pretensión conseguirlo, porque el requisito era que la línea editorial de Ibi Oculus persistiera, algo que no podía calcularse, sino únicamente encontrarse. Hoy puedo decir que este encuentro ha tenido lugar, y que su rostro lo pone Leonor Saro. Para estrenarse, Leonor se ha encargado de un número cuyos contenidos pasamos a resumir.


En nuestra sección de poesía española e hispanoamericana continuamos con la antología de jóvenes poetas que escriben en vasco. Así, en esta ocasión, Aitor Francos traduce una selección de poemas de Ángel Erro. Por otro lado, Lorenzo Martín del Burgo nos ofrece su particular visión de La Universidad Blanca de Ismael Belda, un libro de poesía que nos descubre un universo lírico de amplitud casi novelesca y sobrecogedora belleza.


En "Poético mundo", M. Negrón nos propone una selección de poemas de dos autores holandeses considerados ya clásicos en la tradición literaria neerlandesa y no obstante, desconocidos para el público español: Paul van Ostaijen y Hendrik Marsman. Acompaña las traducciones con un breve texto introductorio. También M. Negrón firma una nueva traducción del celebérrimo poema en lengua alemana Fuga de Muerte, del rumano Paul Celan, así como un comentario que explora las significaciones simbólicas del poema. En la misma sección incluimos una selección de poemas (muchos de ellos inéditos en lengua española) de Frank O'Hara, traducidos por Isabel Berzal Ayuso, quien nos propone también seis claves para comprender su obra, a menudo difícil por la gran cantidad de referencias espacio temporales que la pueblan. Con el fin de facilitar la lectura y de sumergir a nuestros lectores en la ciudad de Nueva York, principal inspiradora de los versos de O'hara, hemos creado un hipertexto que redirecciona a diferentes enlaces, a través de los cuales podemos saber más sobre los lugares y los personajes a los que remiten los poemas.


Inauguramos la sección "Limes", destinada a explorar la relación de la poesía con otros géneros literarios y con otras disciplinas humanísticas y artísticas, con un artículo de Miguel Ferrando sobre el sentido de la poesía en la era de la postmodernidad.


En "El banquete" Leonor Saro nos habla sobre las características del simbolismo belga a través de uno de sus poetas más notables y la vez más olvidados: Georges Rodenbach, del que incluimos traducciones de poemas hasta ahora sólo accesibles en lengua francesa.


Continuamos con nuestra sección "Merece la pena" en la que se estrenan como recensionadores María Moreno, Alfonso de Orá y Andrea Reyes del Prado, junto a otros reincidentes en el género. Tal es el caso de Lorenzo Martín del Burgo o el de un servidor.


Por último "Ibi fabula" e "Ibi infantil" vuelven de la mano de Blanca Álvarez de Toledo quien nos introduce en esta ocasión en la tradición de la narrativa popular africana.


El número cuenta con ilustraciones de Andrea Reyes del Prado, Manuel Alegre y Guilmo, así como con fotografías de José Luis Rodríguez Torrego, que encabezan cada sección.


Espero que disfrutéis de este número de la revista y que no dejéis de seguir difundiéndola.


VER NÚMERO 9 DE IBIOCULUS


 

15/nov/2015 - Grabación de "Trébol" ("Cero, 2014). Por Luis Sanz Tejedor

Publicada el 19 Ee noviembre Ee 2015 a las 13:05



Hace nada menos que siete años, el locutor Luis Sanz Tejedor recitó el poema "Trébol", incluido en mi libro "Cero" (Renacimiento, 2014), añadiendo a la grabación una apropiada melodía tradicional irlandesa. Por aquel entonces, el libro no pasaba de ser una vaga intuición a propósito del ciclo de escritura en el que me estaba aventurando.


Supongo que por esta razón, y porque la juventud es una enfermedad que suele curarse con el tiempo, por aquel entonces no le di la difusión ni le presté la atención que merecía. Recuerdo, sí, que me gustaba mucho, pero no acertaba a saber qué hacer con ella. También recuerdo que yo buscaba algo más sobreactuado, quizás pensando en la posibilidad de grabar el poema con un acompañamiento de rock ambiental, a propósito de la excelente música que habían creado mis amigos Juanma y Darío, junto al bajista Molina, que entonces tocaba con ellos, para el recital que meses antes, en diciembre de 2007, celebramos en el madrileño café El Despertar. Entonces, ambos formaban parte de una banda llamada Acid Custard, núcleo central de lo que luego sería Pupila. Actualmente, además, se hallan incorporados a varios proyectos musicales pujantes, entre ellos el de la ínclita Helena Goch.


Mirado ahora con retrospectiva, la dicción sobria, rotunda y poderosa de Luis confiere a la mezcla un aire de dulzura contenida muy estimable. Le entresaca los brillos a la pieza dirigiendo la atención hacia el texto, lo que debería ser el objetivo de cualquier acompañamiento para un poema. Más allá, el otro día, cuando di por casualidad con el mp3 en el trastero mal ordenado en que se ha convertido mi disco duro y teniendo en cuenta que el libro ya se ha editado, entendí que era el momento de hacer la grabación pública.


Espero que la disfrutéis.



1/oct/2015 - "Cero" cumple 1 año: Poemas en la Red

Publicada el 1 Ee octubre Ee 2015 a las 1:00

Con el arranque del curso se cumple un año de la aparición pública de Cero. Para celebrarlo he querido subir una amplia muestra en la Red que puedes consultar AQUÍ o pulsando en la imagen. El fondo es de una foto de fromthetree, pasada a blanco y negro.



Os recuerdo que el libro sigue disponible en formato papel y pdf:

 

Más información sobre Cero (reseñas, presentaciones, datos técnicos del libro, etc.): http://www.pabloluquepinilla.com/cerolibro.htm


10/abr/2015 - "Hoy quiero estar contento"

Publicada el 15 Ee abril Ee 2015 a las 20:35

En la página del Colegio Internacional Kolbe se explica muy bien lo que ha supuesto este poema/stop-motion que he realizado para los niños de tercero de primaria del centro. Algunos profesores del colegio me pidieron que tratara de explicar el lema del año "Hoy quiero estar contento" mediante un poema.

 

A principios de curso, cuando lanzamos el lema de este año, “Hoy quiero estar contento”, pedimos a Pablo Luque Pinilla, poeta y padre del Colegio Internacional Kolbe, que compusiera un poema con él. Como buen artista, nos pidió tiempo, y en Semana Santa nos ha sorprendido con un vídeo que va mucho más allá de nuestras expectativas.


“Ha sido precioso implicar a mis hijos en el trabajo. ¡Estaban entusiasmados! De alguna manera sentía la necesidad de que pudieran asomarse un poco a mi pasión poética en primera persona, y ese deseo ha condicionado la decisión de hacer un vídeo-poema. Ellos deben percibir que la poesía les da cosas, no sólo que secuestra a su padre de cuando en cuando”, nos explica Pablo.


En el vídeo se puede ver el día a día de una familia, y especialmente la relación padre-hijo: la preparación para ir al colegio, el desayuno entre prisas, el camino a clase, y, después, la conversación al salir de clase: “¿Qué tal el día? ¿Qué tenéis de tarea?”. Pero, ¿qué es lo realmente importante? ¿Qué es lo que le da sentido a la rutina diaria? ¡Estar contentos! 


A priori no veía claro cómo hacer algo que enganchara a los niños, sin dejar fuera a padres y profesores. Por otro lado, en general, a la edad de los niños de segundo ciclo de primaria es difícil que estos entren por sí mismos en un poema que no provenga de sus libros de texto, por mucho que dicho poema tenga los elementos propios de la literatura para pequeños, pues necesitan ser acompañados por alguien que se lo presente. Al final, me pareció que la idea de un vídeo era lo mejor, pues eso introduciría a todos más naturalmente en la dinámica de la poesía.


Por otro lado, vislumbré que era una buena ocasión para implicar a la familia, que a la postre ha sido lo más bonito. Para un niño, los ratos que a su padre le quita el ordenador y los compromisos son solo cosas "de mayores" en las que parece que la vida, su vida, no entra, así que tenía muchas ganas de hacerles partícipes.

 

A toro pasado, viendo que hay un material en bruto razonablemente válido (yo no había hecho esto nunca), grabarlo demoradamente, repitiendo todo lo necesario, dedicando tiempo a cuidar el modelado de las figuras (su deterioro progresivo durante la grabación), sus gestos y movimientos, etc., habría permitido lograr un acabado menos amateur, pero fuimos a salto de mata, con unos plazos muy claros (la Semana Santa, de jueves a lunes), fotografiando contra el reloj y contra el movimiento del sol. Sea como fuere, el objetivo era conseguir lo que decía al principio, no impresionar, y quién sabe, quizás de otra manera habría perdido encanto.

 





25/mar/2015 - Ibi Oculus 8

Publicada el 25 Ee marzo Ee 2015 a las 2:55




En este nuevo número de nuestra revista ofrecemos el reportaje y antología pendiente sobre la segunda etapa de la longeva tertulia y revista salmantina Papeles del Martes, por la que transitaron autores como Antonio Sánchez Samarreño, Mercedes Marcos Sánches, Juan Antonio González Iglesias, Emilio Rodríguez, Luis Frayle, Celia Camarero o el autor del trabajo, nuestro colaborador Miguel Ángel Cervantes. Acompañan a esta entrega un interesantísimo dossier y antología de las poetas Leire Bilbao y Castillo Suárez, dos representantes significativas de la poesía vasca actual, presentadas y traducidas del euskera al castellano por Aitor Francos.


La sección de poesía internacional cuenta en esta ocasión con la fantástica obra de Jean Claude Renard, poeta francés que disecciona y traduce para nuestra publicación Sagrario Rollán; así como con una selección de versos de Misantropía, uno de los libros Anna Golubkova, poeta rusa que nos descubre Milagrosa Romero Samper.


Alto voltaje existencial y creativo nos aguardan en la sección"el banquete" con un estudio sobre el tratamiento del asombro en la obra de Jesús Montiel que acomete Pablo Ortiz Soto, que además entrevista por extenso al escritor granadino.



El cantante lírico y poeta Miguel Ferrando nos habla de su ciclo de recitales/conciertos "Las soledades del monstruo", una performance poético-musical en la que nos propone un juego de ucronías poéticas para que sus textos dialoguen con las composiciones de sus amados autores líricos a quienes también pone voz.


La sección "ibi fábula" Blanca Álvarez se pregunta por el éxito actual del relato corto, tratando de ir más allá, pues su hipótesis desmiente, al menos en parte, la teoría de que sus cualidades residen exclusivamente en la brevedad. Y para ilustrarlo, nos ofrece además un relato de Eduardo Muñoz.


La poesía y las nuevas tecnologías en la infancia son objeto de un profundo análisis por parte de Clara Cordero en "ibi infantil", argumentando que el cambio de paradigma que nos brinda la era tecnológica también ha modificado de forma irreversible el acercamiento de lectores y autores a los textos poéticos infantiles.


Como en otros números ofrecemos, bajo la coordinación de Beatriz Russo, algunas novedades que han llegado a nuestras manos desde la publicación del último número. En esta ocasión, se ha atendido a los textos que los editores nos han hecho llegar directamente, y, con la idea de no repetirnos, privilegiado aquellos títulos que no han gozado del mismo espacio público que otros volúmenes valiosos abudantemente reseñados en otras publicaciones.


Espero que disfrutéis de este número de la revista y que no dejéis de seguir difundiéndola.



VER NÚMERO 8 DE IBIOCULUS


18/dic/2014 - Recapitulando sobre "Cero"

Publicada el 18 Ee diciembre Ee 2014 a las 8:25

 

 


Transcurridos unos meses desde la salida a la venta del Cero, he tenido la oportunidad de recopilar los hechos más significativos alrededor del volumen AQUÍ. Para los próximos meses se preparan nuevos eventos, comentarios de reseñistas y presentaciones públicas de la obra, pero este receso, antes de las fiestas que se avecinan, me parecía oportuno. Entre otras cosas, porque, por ejemplo, a lo mejor este libro podría ser un buen regalo para alguien muy especial para ti y con gusto por la poesía... De ser así, te recomiendo que hagas uso de alguno de estos enlaces para una cómoda adquisición: 

De todos estos hitos, podemos destacar el momento de la PRESENTACIÓN OFICIAL, como pistolezado de salida de una andadura que se prolongará a lo largo de 2015; los RECENSIONES de reseñistas, presentadores y periodistas, con nuevas aportaciones en ciernes para los próximos meses; y la acogida de los lectores que han querido hacer suyo Cero comprándolo, manteniéndose el libro durante muchas semanas entre la LISTA DE MÁS VENDIDOS de la librería Renacimiento, y tuiteando en no pocas ocasiones sus versos e interioridades.

  

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Agradezco la atención prestada a Cero durante este tiempo y os deseo lo mejor para estos días donde el Cero se significa, sobre todo, por ser el lugar desde el que comenzar a sumar y seguir avanzando hacia todo lo bueno que esperas.

  

10/nov/2014 - Traducciones de "SFO" en la Universidad de Bologna.

Publicada el 16 Ee noviembre Ee 2014 a las 8:45


Acaban de salir en Fili d'Aquilone las traducciones que se hicieron en la Universidad de Bolonia, sede de Forlí, sobre diez poemas de SFO. Toda una aventura que culmina con esta hermosa publicación que agradezco al poeta romano Alessio Brandolini, como director de la revista digital, y a Gloria Bazzocchi por la introducción, tutela y supervisión de los trabajos.






Fili d'aquilone - num. 35, SFO. Foto e poesie della città di San Francisco

www.filidaquilone.it


Il libro nasce da un viaggio a San Francisco realizzato dal fotografo Rodríguez Torrego, in occasione di un convegno scientifico della moglie. Libero da impegni, per cinque giorni ha visitato la città californiana alla ricerca di persone da... SEGUIR LEYENDO.

7/nov/2014 - Traducciones de Kevin Prufer en colaboración con Luis Ingelmo

Publicada el 9 Ee noviembre Ee 2014 a las 19:30


Acaban de aparecer en el número 62 de El Cuaderno las traducciones que llevé a cabo con Luis Ingelmo del poeta norteamericano Kevin Prufer (http://kdp8106.wix.com/kevinprufer).

A Prufer lo conocí en el festival de poesía Amobologna con quien compartía lectura junto al francás Pascal Riaou en 2008. En la medida que pude conocer sus libros aprecié en él un solvente poeta heredero del mejor modernismo de Eliot, clásico y profundamente moderno, atmosférico en demasía. Un buen poeta del que hablé al zamorano Ingelmo, que no dudó en proponerme una traducción a medias. Al final, la colboración ha sido para mí un estupendo master en traducción poética guiado de la mano por Luis Ingelmo, uno de los traductores de poesía anglosajona más destacados del país.

Tenéis toda la información sobre el número 62 AQUÍ. Os dejo a continuación la reseña para el que no tenga acceso al número:



6/nov/2014 - Presentación "Cero"

Publicada el 6 Ee noviembre Ee 2014 a las 20:00






Cero
de Pablo Luque Pinilla,
con ilustraciones de
fromthetree,
editado por Renacimiento.
Presentación en
LA BUENA VIDA,
Calle de Vergara nº 5, Madrid,
Jueves 6 / NOV / 2014 - 20:00 h
Con la presencia de
José Luis Almarza, Petra Pappová,
fromthetree y PLP.

Cero es un nuevo libro de poemas que he publicado con la editorial Renacimiento coincidiendo con el inicio de este curso. En él también ha participado el ilustrador fromthetree con diez dibujos que embellecen el volumen. Para presentarlo contaremos con la presencia de dos invitados de excepción, José Luis Almarza y Petra Pappová, que nos acopañarán a fromthetree (Luis Ruiz del Árbol) y a un servidor.

 

Será el día 6 de noviembre a las 20:00 h. en LA BUENA VIDA (Calle de Vergara, 4 de Madrid), Metro Ópera.

 

La entrada es gratuita hasta completar aforo. Si quieres asistir al acto sin preocuparte de quedarte sin plaza y además, con una silla reservada para verlo cómodamente, La Buena Vida reserva tu plaza en ESTE ENLACE por solo 3€ que se te descontarán de cualquier compra o consumición que realices ese día.

 ¡TE ESPERAMOS!

 

Petra Pappová es doctora en Estética y profesora titular de Literatura Española en la Universidad Constantino el Filósofo en Nitra (UKF, Eslovaquia). Fue profesora visitante en la UCM y la Universidad de Granada. Actualmente es Directora de la Sección de Lengua y Literatura Españolas y Vicedirectora del Departamento de Romanística de la UKF. Enseña Literatura española contemporánea, Traducción literaria y Análisis de textos literarios. Además trabaja como traductora e intérprete. Es autora de diferentes publicaciones sobre literatura española clásica y contemporánea. Su principal interés es acercar la literatura española actual a los lectores eslovacos, así como mostrar la riqueza de la poesía de su país de origen a los españoles. Organiza varios eventos relacionados con el intercambio cultural hispanoeslovaco.


José Luis Almarza es, entre otras ocupaciones, profesor responsable del Área de Pedagogía Religiosa Escolar de la Universidad Autónoma de Madrid como parte de su actividad diocesana en el ámbito de la cultura y la educación. Durante años ha sido contertulio habitual en medios de comunicación radiofónicos y televisivos en programas relacionados con la pedagogía, el cine y la cultura en general, entre los que se encuentran iniciativas como la Muestra Internacional de Cine "De Madrid hasta el Cielo", los programas de televisión sobre cine "Lágrimas en la lluvia" y "Más cine por favor" o el espacio radiofónico "Noche de cometas", entre otros.

10/oct/2013 - Reseña de "John Berguer. Poesía 1955-2008". Edición y traducción de Pilar Vázquez, Nacho Fernández R. y José María Parreño, Círculo de Bellas Artes, 2014

Publicada el 14 Ee octubre Ee 2014 a las 0:35



Acaba de aparecer la reseña «Del color de sus alamas» que he escrito para el núemro 61 de la revista El Cuaderno, que edita Trea, sobre la poesía de John Berguer con traducción de de Pilar Vázquez, Nacho Fernández R. y José María Parreño y editada por Círculo de Bellas Artes, 2014.


La edición digital de El Cuaderno fue gratuita durante un tiempo, pero en la actualidad es mediante suscripción. En la actualidad, los números en papel se reciben bajo suscripción y los sueltos pueden comprarse en la edición electrónica.


Tenéis toda la información sobre el número 61 AQUÍ. Os dejo a continuación la reseña para el que no tenga acceso al número:




Del color de sus almas


John Berger. Poesía 1955-2008
Traducciones de Pilar Vázquez, José María Parreño y Nacho Fernández R.
Edición de Jordi Doce y Nacho Fernández R.
Círculo de Bellas Artes, 2014. Colección «La Voz del Poeta».
272 páginas + CD.


 

Esta cuidada publicación de la poesía de John Berger (Londres, 1926), que edita el Círculo de Bellas Artes, se la debemos a Jordi Doce y Nacho Fernández R., en las bambalinas preparatorias; y a Pilar Vázquez, José María Parreño y el propio Nacho Fernández R., como artífices de las traducciones, encargándose la traductora de las dos terceras partes de estas. En rigor, viene a suponer la primera muestra de la obra poética (casi) completa vertida al castellano del afamado escritor británico. Como precedentes en versión original de la poesía del autor, contamos con un único libro publicado por el londinense, Pages of the Wound: Poems Photographs Drawings 1956-94, acompañado de dibujos y fotografías firmados por él mismo, editado en 1994 y reeditado posteriormente con más composiciones poéticas y gráficas; y, en castellano, con Páginas de la herida: antología poética (trad. de Pilar Vázquez, Ed. Visor, 1996), textos que la presente edición incluye en su totalidad con traducciones revisadas y a veces reescritas según explica la propia Pilar Vázquez, junto a versos de producción posterior hasta 2008. La compilación se acompaña de un CD con veintiún poemas grabados por Berger en 2010 durante una de sus visitas al Círculo de Bellas Artes (recibió la Medalla de Oro de esta institución en 2006), cuya lectura subraya la versatilidad de la lengua de Milton, ya sea para la poesía, el pop o para declamar la guía telefónica, si fuera necesario. Como sabemos, el inglés es siempre de una plasticidad eufónica que en la voz de nuestro autor recitando sus versos supone un aliciente añadido para acercarse a este volumen.


Del literato, primero artista (estudió arte en la Central School of Art de Londres, y a los treinta años dejó de pintar para dedicarse más decididamente a la literatura), es bien conocida su trayectoria narrativa y ensayística, especialmente a partir de libros como G., ganadora del prestigioso Booker Prize en 1972, y del ensayo de introducción a la crítica de arte Ways of Seeing (Modos de ver, trad. Justo G. Beramendi, Ed. Gustavo Gili, 2001), un verdadero manual de referencia para los amantes de la historia del arte. En general se trata de una andadura literaria bastante marcada por el compromiso social y político de su autor pues, según comenta el propio Berger, en las postrimerías de los años cincuenta, en plena Guerra Fría, sintió la necesidad de decir algo desde las filas de la literatura. No en vano, fue militante del partido comunista británico, se autoexilió en los Alpes franceses por no encontrar acomodo cultural satisfactorio en su Londres natal y, aún hoy, si bien se reconoce más alejado de sus postulados comunistas de antaño, continúa manifestándose marxista.


En cualquier caso, uno de los aspectos que más llama la atención de la poesía que nos ocupa es que, sin renunciar el escritor en ella a sus convicciones políticas y su vocación por la denuncia social (como vemos, por ejemplo, en el homenaje al ministro de Allende O. Letiler: «Orlando Letilier. 1932-1976», págs. 73-77), evidencia estar escrita por alguien que conoce bien el poder de la palabra poética para urdir un entramado lírico profundo con el que indagar la realidad y transcenderla. Y lo hace desde una voz absolutamente personal y reconocible, que emplea un lenguaje delicado y sutil para servirnos un destilado de emociones y transfiguraciones obrado en y para lo intemporal, como nos sugiere el poema «Agujero» (pág. 261): «Hacer un agujero / a través de / una piedra / hilvanarla / llevarla colgada / anuncia inmortalidad / la piedra puede ser / lenguaje / el agujero, poesía». También empleando un despliegue versal en el que escasea la puntuación, no se renuncia a la rima en el original inglés y se hace un uso bastante controlado de los recursos, donde, si acaso, se recurre a la evocación alegórica. Una suerte de metáfora continuada, elegante, tenue y aguda, al servicio de una textura lírica en la que albergar una emoción, una reflexión o un estado de ánimo, según el caso, que parecen prefijados de antemano como objetivo de las composiciones, como búsqueda a través del lenguaje de un interés comunicativo muy concreto. Y es precisamente en esta técnica, que se emplea para casi todos los motivos que la poesía de Berger nos propone, donde más patente se hace la impronta del narrador.


Ya sean los asuntos de sus poemas los del desencanto postindustrialización, nostálgico de un mundo perdido, después azotado por la técnica: «Los agrónomos de apuntados zapatos / saltan sobre el perro muerto / arrastrado hasta la cuneta / y entrando en un campo se agachan / a examinar un puñado de tierra negra / …/ y los campesinos de guata remendadas / los miran y se preguntan: / ¿qué esperarán encontrar / en nuestra tierra?», leemos en «La llanura Maritsa» (pág. 187). Ya sean dichos motivos los de esos textos ruralistas que simplemente evocan con melancolía el tiempo pasado al que nos referimos, y en los que más y mejores ejemplos hallamos de la poesía del de Londres, pues por estos Poemas transitan todo tipo de remembranzas de elementos procedentes del campo y la naturaleza, donde, por citar algunos, destacaríamos: «Cucharón» (pág. 90), «Puesta de sol» (pág. 100), «Patatas» (pág. 103), «Pascua» (pág. 105), «Caballo» (pág. 145) o «Cada pino al anochecer » (pág. 181), en el que leemos: «Cada pino al anochecer / aloja al pájaro / de su voz / perpendicular y quieto / el bosque / indiferente a la historia / como una piedra imperturbable / repite / con entusiasmo febril / la vieja historia / de la puesta de sol». Ya sean aquellos que rememoran la Primera Guerra Mundial por cuanto esta supone de inflexión de un cambio de mentalidad y modelo de sociedad de la preindustrialización a la industrialización, como vemos en «Autorretrato 1914-1918» (pág. 41), sin ir más lejos. Ya sean los cumplidos homenajes a diferentes personajes, además del citado Letilier, como los que dan título a «Muerte de Nan M.» (pág. 107), «Robert Jorat» (pág. 237) o «Tonio» (pág. 263), por ejemplo. Ya sean sus poemas bélicos, marcadamente antibélicos, ya que nos hablan de la desolación que enciende la barbarie de la guerra, tal y como se observa en «Ypres» (pág. 45). Ya sean las referencias al mundo del arte y sus obras: «Autorretrato de Rembradnt» (pág. 67), entre otras. A los que habría que añadir sus poemas de amor, con bellos ejemplos como «En tu isla» (pág. 171), «El cuero del amor» (pág. 189), «Viejo poema de amor» (pág. 197) o el hermosísimo «Una camisa colgada de una silla» (pág. 235), por citar algunos. O esos otros de textos que simplemente rescatan del olvido lo cotidiano, con algunos de los versos más significativos de una poética empeñada en subrayar lo humilde y pequeño para devolvérnoslo nuevo y transformado, como en «Sin título» (pág. 69) cuando reza: «oriento el pez / para así poder ver / su ojo / y el envite de su cola // coloco / el dedo meñique / entre las mandíbulas / del animal marrón // la tercera piedra la levanto / y sostengo detenidamente / para volver a dejarla en la mesa / así // se me perece solo lo que es», para referirse a tres simples piedras, verdosa, marrón y gris oscura, respectivamente. También, incluso, las reflexiones, nada escasas, sobre el papel de la palabra poética: «Pájaros como letras alzan el vuelo / ─sí, alcemos el vuelo─ / se ciernen en círculos y se posan en el agua / junto a la fortaleza de lo ilegible», se nos dicen en los versos de «Páginas» (pág. 55), a los que habría que sumar los de los del díptico «Palabras» (págs. 83-85) o la composición «De viva voz» (pág. 87). Por último, no podemos dejar de referir de entre la trama de sus preocupaciones poéticas aquellos aspectos antropológicos que acarrea el cambio de mentalidad y la transformación social comentada. De entre ellos, nos parece subrayable el tema de las prosas poéticas «Doce textos sobre la economía de los muertos» (Págs. 175-179), un lúcido y aleccionador lamento acerca de la censura por parte del hombre de hoy de la realidad de la muerte como parte de la vida: «Mientras el capitalismo no deshumanizó la sociedad, todos los vivos esperaban alcanzar la experiencia de los muertos. Era su futuro último. Por sí mismos eran incompletos. Así, vivos y muertos eran interdependientes», leemos.


Más allá, la poesía de nuestro escritor ha gustado de dialogar con otros géneros artísticos, en una actitud de libertad formal que no han dudado en señalar a menudo los estudiosos de su literatura. No solo por el protagonismo que alcanzan algunos pintores como personajes de sus versos, entre los que se encuentran el ya citado Rembradnt y al que habría que sumar los ejemplos de Giorgone o Johannes Vermeer, sino porque algunos de los textos originales de sus Pages of the Wound: Poems Photographs Drawings 1956-94 no son meros aderezos de un libro con ilustraciones, sino que lo son solo en función de algunas obras gráficas de Berger. Tal es el caso de los memorables fragmentos de «Ramurian» (págs. 29-39) sobre dos fotografías del autor; nueve bellas muestras que cantan a la naturaleza y el erotismo con una sutileza y plasticidad incuestionables. Elegancia y sensualidad que se repite en el díptico «Dibujo» (págs. 245-247). De hecho, si hay otro aspecto que no debe obviarse en la poesía del inglés es el protagonismo estilístico que concede a la imágenes en sus composiciones; los trazos de palabras sobre el lienzo de sus textos con los que consigue cuadros de hermosura indudable, como venimos diciendo. ¿Cómo sino calibrar expresiones como las ya referidas o, por citar otras, estas del mencionado «Pascua» (pág. 105)?: «De noche a los carámbanos / les crecen dientes / de transparente roedor / por el día babean / el alimento que les dio la nieve».


Podemos especular sobre el lugar que ocupa en las letras inglesas la breve poesía publicada por Berger, eclipsada en gran medida por su dimensión como destacado prosista de ficción del periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial, así como por su prolijidad ensayística, pero al final siempre nos tropezaremos con las reflexiones con las que el propio escritor se ve dentro de dicho panorama y que vienen a subrayar una humildad y paciencia que se reflejan en la calidad de su trabajo poético. Para Berger, el poeta no se autoproclama como tal, sino que únicamente le corresponde al lector el privilegio de señalar tal identidad y destacar si sus poemas merecen dicho tratamiento. Pensamientos que hay que considerar junto a su obra, para vencer la tentación de encasillar a Berger en un determinado contexto poético por el hecho de que su impregnación literaria sea de ascendencia política. Ya que según hemos explicado aquí, esta poética trasciende lo coyuntural y lo ideológico, transformando su grito contra la injusticia, la desigualdad y el capitalismo en un rezo contra la destrucción del tiempo y lo banal, antes que en cualquier otra cosa. Pues, como el poeta manifiesta en el prefacio del libro al explicar la ordenación cronológica de los poemas, la palabra inglesa para «cuenta» o «abalorio», como cada uno de los setenta y dos textos de esta compilación escritos a lo largo de sus cincuenta años de dedicación poética, es bead, que deriva de la forma medieval bede, bed, gebed, cuyo significado es ‘oración’. Unas cuentas que los son de una jaculatoria de «voces / que aúllan al caer como cascadas» («Páginas de la herida», pág. 259) para suplicar por ese «verde», que «tiene el color de sus almas / y llega como un don» («Réquiem», pág. 225).

 

Pablo Luque Pinilla, agosto de 2014.


3/sept/2014 - Rafael Lema sobre "Cero" en Adiante Galicia

Publicada el 5 Ee octubre Ee 2014 a las 5:10

Rafael Lema dedica este artículo de opinión a Cero en Adiante Galicia. Sabía poco de lo que hacía Rafael, pero después de leer esto uno tiene la sensación de que ha descubierto un prosista. No porque se haya encargado de Cero, sino porque su prosa lírica bien merece acercar la lupa sobre el autor. De hecho, este tipo de arrtículos en los que el lenguaje cotiza son los que se echan de menos en la prensa actual. Muertos Umbral y algún otro, salvo el excepcional manejo sintáctico y verbal de Prada, se acabó la prosa de excepción en los periódicos. Reproduzco algunas frases entresacadas y el artículo entero a continuación:

 

"En el siglo XXI alcanzamos mayor conocimiento, arrancamos mayor número de hojas al árbol de la sofía en donde Adán conspiraba con la serpiente contra Eva, y pese a ello tenemos frío, mucho frio, mucha más hambre que Virgilio y Dante, a los que no les faltaba el abrigo metafísico de la lluvia dorada. Pero no hemos dejado morir la poesía; algunos seguimos reclamando su pulso, animando su magia, estimulando su ánima; es nuestra vacuna descargada de consciencia".


"En tiempos de twitters, nocillas y evanescentes neohaikús, celebro la poesía en donde las palabras pesan, como en toda obra trabajada y meditada, cerrada y circular".


"No hay vida sin entrega, sin descubrimiento de contrarios que se unen. Todo tiene un comienzo, es una gran verdad, también el retorno tiene inicio. Los caminos descargan en el mar, algo físico que ya no oculta isleños paraísos. Nosotros, los del oeste que llegamos del este y somos hijos del trébol, lo sabemos"

 

"La poesía cree en lo que vemos y en lo que no vemos, desmiente a los cautivos de la ira, a los que cobijan entre algas esferas de sombras. El poeta habla de espacios sagrados, sabiendo que vive en un avispero ácrata e inhóspito, pero tiene un portulano de querencias, de voces, de lecturas; unas coordenadas de desafíos y abandonos, y sostiene su vela en medio del océano, contra viento y marea".

 

 



"Cero" de Pablo Luque

Autor: Rafael Lema | Publicada: 03/10/2014



Cero es el tercer poemario del madrileño Pablo Luque Pinilla, que acaba de editar el sello sevillano Renacimiento y llegó a mis manos este agosto. Ceros y círculos, condenadas geografías, palabras que como todas son y surgen por contraste, en lucha con la inmediata para lograr un verso, prodigio de la lengua, escultura elaborada con los huesos de los náufragos de los malditos navíos que buscaban el bendito surco de las islas innominadas.


En la Costa da Morte sobrevivía un soñador apátrida llamado Man; habitante de un círculo, llenó su patria de circos de distinto tamaño, sobre casas, montañas, diques portuarios. Lo conocí de pequeño, con mis tíos, con los que hablaba alemán, la lengua de sus muertos; lo intenté definir, más que comprender, de joven; lo perdimos cuando aquella marea negra, el año que mudamos de era y todo se cambió. Nada fue igual desde entonces en la redondez del globo, y la poesía -intangible fruto dañado e hiriente- también sufrió las convulsiones del siglo, pues de la sociedad se nutre y a sus poetas devora. De las heridas del poeta y de sus musas, en el juego de la vida dúplice de nuestro desvalido ser de materia y espíritu, nacen estos versos.


En tiempos de twitters, nocillas y evanescentes neohaikús, celebro la poesía en donde las palabras pesan, como en toda obra trabajada y meditada, cerrada y circular. El verso se sostiene por sí mismo, arrebatando su filiación, su origen, cuando en él se desprende la demediada fatiga del ser y el mundo, el ejercicio de sincronías y diacronías marcadas por la angustia y el deslumbramiento de las imágenes, la búsqueda del tono, la definición del eco.


En el siglo XXI alcanzamos mayor conocimiento, arrancamos mayor número de hojas al árbol de la sofía en donde Adán conspiraba con la serpiente contra Eva, y pese a ello tenemos frío, mucho frio, mucha más hambre que Virgilio y Dante, a los que no les faltaba el abrigo metafísico de la lluvia dorada. Pero no hemos dejado morir la poesía; algunos seguimos reclamando su pulso, animando su magia, estimulando su ánima; es nuestra vacuna descargada de consciencia.


En Cero siento el círculo como un dolor en los ojos, sin principio ni fin. La respuesta que devuelve el cielo a nuestro grito es un eco, una orografía de signos sin código. No queda la huella del descanso de los dioses sobre la hierba verde, a causa del tiempo, el viento, el agua. Ni las aladas señoras del cielo dejaron sus pasos en la arena, porque año a año el mar se eleva, crece, arrebata paseos, pantalanes, rompeolas. Pero sí hay un origen, también en la redondez de la esfera, cuando el lápiz clava su punta sobre la superficie de un trozo de materia que se deja amar. Alfa-omega, el-ella. No hay vida sin entrega, sin descubrimiento de contrarios que se unen. Todo tiene un comienzo, es una gran verdad, también el retorno tiene inicio. Los caminos descargan en el mar, algo físico que ya no oculta isleños paraísos. Nosotros, los del oeste que llegamos del este y somos hijos del trébol, lo sabemos. Maldito seas círculo, vana ilusión, fatiga de las horas desveladas, búsqueda de revelaciones sin sentido.


Bendito el camino que intentamos hollar, nuestros extravíos, dudas, genuflexiones, desánimos. Todo para llegar a la concusión de que ceros y nadas no existen, no se sostienen, solo son invento de poetas. Como la misma poesía. Pero no por ello contradigo al autor, “nuestro vínculo es un ámbito de asombro”. La poesía cree en lo que vemos y en lo que no vemos, desmiente a los cautivos de la ira, a los que cobijan entre algas esferas de sombras. El poeta habla de espacios sagrados, sabiendo que vive en un avispero ácrata e inhóspito, pero tiene un portulano de querencias, de voces, de lecturas; unas coordenadas de desafíos y abandonos, y sostiene su vela en medio del océano, contra viento y marea.


http://www.adiantegalicia.es/opinion/rafael-lema/cero-de-pablo-luque.html